必須更誠實面對自己的時代

採訪、文字整理/胡士恩

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你過去曾專注在「照相寫實」油畫技術，近年提到自己追求的是「精神上的精準」，而非畫得精準。請談談改變的契機。

「精神上的精準」是一種狀態的完全對齊。當感受、意識與身體在落筆那一刻重疊於同一位置，作品便自然成立。它追求的不再是視覺上的無偏差，而是內在狀態的無偏差。

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回頭看，大四畢業前後的「原生態」系列，是我透過技術的極致控制，試圖確認自我的位置；那是一種對世界的強力再現。隨後的轉折出現在消防替代役時期間，當我直面生命的無常與脆弱，意識到有些極其幽微的經驗，是寫實技術無法承載的，於是有了試圖捕捉不可見氛圍的「氣味」系列。

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近四年因疫情進入集中的內觀與呼吸練習，這份靜性也滲入創作。在「呼吸」系列中，我不再計較「怎麼畫得準」，而更在意「那個當下的狀態是否真的發生」。這幾個階段的演變，其實是我對生命不同時期的誠實回應。現在的我更願意相信直覺，讓創作回到一種專注細下的平衡。所謂的精準，就是在那份對齊中，讓靈魂與畫布共振。

 

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你的作品揉合炭筆、壓克力與油彩。這些必須親手塗抹、充滿物理特性的物質感，對你傳遞人類意識與能量的重要性為何？

人並不完美，而這正是人性的所在。親手塗抹不只是技術，也是狀態的留下。力道、速度與猶豫，都會成為身體在畫面中的痕跡。炭筆、壓克力與油彩的堆疊與摩擦，帶入時間與不可控性，也讓人的複雜性得以保留。透過觀察，畫布、筆與顏料會給出回應，我再不斷調整、推進，在來回之中讓畫面逐漸成立。能量或許不只是被畫出來，而是存在於這些痕跡與層次的交會之中，並在被觀看的瞬間被感受到。

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作畫時，你可有給自己設下限制？這些限制如何幫助你作畫？

我給自己的限制通常是色彩的純粹或時間的切片。例如本期專題封面作品《New born》這件作品我只允許使用對比色、極低的飽和度色彩，呈現一種靈性異次元的氛圍。無論是畫面的角度、節奏，或是使用的方式，其實都是在不斷靠近那個當下比較真實的自己。這樣的限制，反而讓我不需要同時處理太多方向，更專注地往一個感覺深入。它不是縮小創作，而是讓畫面集中，也更接近我想要成立的狀態。

 

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作為一名畫家/藝術家，你目前跟 AI 工具的關係為何？

我平常會利用 AI 來理解專業領域的資訊，有時也用它來做驗證想法，它讓一些工作變得更高效，快速提供即時的結果。也有人用來創造感動人的作品，例如音樂或影像，但它仍是執行指令。創作者必須清楚自己想要表達的是什麼，才能讓 AI 成為延伸，而不是取代。過度依賴容易讓人迷失在「即時滿足」中，喪失面對真實情緒的能力。

 

你怎麼看待 AI 生成的答案，以及使用者面臨的選擇？

這其實完全回歸到我在創作上不斷探問的核心：你是誰？你在意的是什麼？換個角度看，AI 其實是幫我們處理了技術與執行層面的雜事與雜音。當產出不再是門檻，我們反而被推到了一個沒有藉口退縮的位置，必須直面人自身的根本問題。在擁有無限選項的時代裡，你的選擇，其實就是你靈魂的形狀。你的品味、直覺，以及你走過的生命歷程，決定了你會留下哪一個結果，捨棄哪一萬個結果。

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這並不是一個創作者被取代的時代；相反地，這是一個創作者必須「更加誠實面對自己」的時代。能在無數的運算結果中，挑選出最貼近本質、最能引起共振的那一個，這本身就是一種無可取代的創作。

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